Le Misanthrope, comme le disait Louis Jouvet, « c’est la comédie d’un homme qui veut avoir un entretien décisif avec une femme qu’il aime et qui, au bout de la journée, n’y est pas parvenu ». Alceste, champion de la sincérité, est épris de Célimène, jeune veuve mondaine tout à la fois superficielle, profonde et attirante, courtisée par tout ce que Paris compte de courtisans infatués. Dans ce chef-d’œuvre beaucoup plus étrange qu’on ne l’imagine, tout est jeu de pouvoir au détriment de l’autre, amours, ambitions et amitiés déçues, avec en toile de fond cette question lancinante : jusqu’où peut-on aller dans la sincérité, le « parler vrai », sans se mettre tout le monde à dos ? Ni comédie, ni tragédie ; ni Philinte, ni Alceste. L’énigme reste ouverte et Georges Lavaudant continue son exploration des classiques, au plus près des mots et des corps.

Nouveau défi pour la metteuse en scène et serial enchanteuse Valérie Lesort, multiprimée aux Molières : Les contes de Perrault. Après les succès de 20 000 lieues sous les mers et Le voyage de Gulliver, elle reprend la féérie lyrique d’Arthur Bernède et Paul de Choudens, parue en 1913, où se rencontrent les personnages des contes atemporels comme Cendrillon, Barbe-Bleue ou encore la fée Morgane… Cette folle histoire teintée de poésie, d’humour et de cruauté, est portée par la musique de Félix Fourdrain et la fantaisie de l’orchestre des Frivolités Parisiennes. Une création rythmée, épique et burlesque, pour le bonheur de tous.

Un homme et une femme, mènent une enquête sur un massacre de tirailleurs sénégalais par les nazis en 1940. Mêlant écriture documentaire et théâtre d’objet, Insomniaques, nouvelle création de la compagnie Avant l’averse, sonde de façon inédite ce tragique mystère historique et ses répercussions au présent.

Qu’est-ce qui nous empêche de dormir ? Lors de l’écriture d’un livre sur la vie quotidienne des soldats allemands à Rouen sous l’occupation, Jean Michel et Flora, deux habitant‧es de Rouen au sommeil agité, découvrent une photo qui fait dévier leur projet : l’une des rares traces d’un massacre de Tirailleurs et de civils noirs qui a eu lieu le 9 juin 1940, à l’arrivée de l’armée allemande dans la ville. Le massacre, oublié pendant des dizaines d’années est remis en lumière, petit à petit, par l’enquête qu’ils mènent avec méthode.

En se confrontant à une stratigraphie faite de matières évocatrices, trois interprètes au plateau dévoilent, couche après couche, entre mots, images et percussions, comment l’Histoire est écrite ou tue. Insomniaques part à la rencontre de nos fantômes et des causes politiques de nos insomnies.

Inspirée par le théâtre Bunraku traditionnel japonais, cette adaptation marionnettique de l’œuvre de Shakespeare par la compagnie La poupée qui brûle donne à voir et à entendre de manière inédite ce classique indémodable du répertoire théâtral.

« Monter cette pièce c’est donner à voir le pouvoir, la hiérarchie, le mouvement et le renversement d’un système de jeu et d’un roi tout à la fois. » témoigne le metteur en scène Yoann Pencolé dans son journal de création.

Et pour rendre compte de toute la misanthropie de Richard, il a imaginé une mise en scène audacieuse où le rôle-titre serait porté par le seul acteur présent au plateau et entouré de 22 marionnettes à taille humaine manipulées par trois danseurs marionnettistes et mises en mots et en sons par deux narrateurs porteurs de voix.

Entre jeu, chorégraphie et manipulations, Yoann Pencolé tire les ficelles de cette aventure épique et met en lumière l’ascension sanguinaire et la chute d’un monstre.

Richard III nous emporte dans ses filets, happés par le mouvement continu de cette épopée tragique où grandes émotions, jeux de pouvoirs, intrigues, mensonges et trahisons sont légion et dévorent tout sur leur passage.

Sous la forme d’une comédie postapocalyptique vivante ou presque, Julien Guyomard interroge notre société et les sempiternels préceptes libéraux dont la méritocratie. Une pièce étonnante et satirique… mais pas seulement.

L’apocalypse zombie a eu lieu. Un nouvel ordre social est en train de s’inventer. Les humains et les morts-vivants doivent cohabiter. Le monde est coupé en deux. D’un côté, les survivants, retranchés derrière leurs barricades, de l’autre, les zombies, peut-être nos doubles monstrueux, faisant… leurs trucs de zombies. Forcés à vivre ensemble, les deux groupes se heurtent aux murs d’une société à deux vitesses. Un jour, Clairvius, un zombie super sympa, très doux et surtout éminemment fréquentable, parvient à passer de l’autre côté, à intégrer le comité central dirigé par les humains. Clairvius réussit : il porte désormais un masque vivant sur sa peau de zombie.

Mais si un zombie réussit, gagnant ses galons de cadre sup’, qu’est-ce qui empêche les autres d’y arriver ? Les zombies méritants sont-ils les bienvenus ? Ou l’ascenseur social serait-il légèrement enrayé ?

Tissant une dystopie aux échos multiples à nos société, Julien Guyomard et sa bande d’interprètes réussissent le tour de force de mettre à nu avec loufoquerie et grande intelligence les processus de domination à l’œuvre dans nos rapports sociaux sous couvert d’égalité des chances et de la promesse du bonheur pour tous. Et sans oublier au passage d’envoyer valdinguer le diktat des idéologies prégnantes. Stupéfiant !

Siwam et Emad habitent tous deux en Syrie. Ils communiquent par vidéos interposées, mais plutôt que de se contenter de simples nouvelles de leur quotidien ou de montrer la tragédie qui les entoure, ils inventent un jeu : créer de petits spectacles filmés l’un pour l’autre. Nourries d’un imaginaire libérateur, leurs saynètes bricolées dans leurs appartements respectifs ouvrent une brèche dans le réel chaotique sous les bombes et inventent des possibles comme autant d’échappatoires face à l’abîme.
Qu’est-ce qui est sublime et qui meurt ? Qu’est-ce qui s’en va ? De quoi doit-on dès à présent faire le deuil ? Tandis que les guerres se rapprochent et que nous ne cessons de nous éloigner, le réalisateur Khalil Cherti suggère avec sa première création théâtrale adaptée de son court-métrage éponyme, que créer pour l’autre, inventer et réinventer nos liens les uns aux autres, reste toujours une question de survie.

Œuvre monumentale de la littérature, du théâtre et pour le public, écrite de 1918 à 1923, Le Soulier de satin n’est créé qu’en 1943, à la Comédie-Française, par Jean-Louis Barrault qui déploie alors tous les efforts et affronte tous les risques pour obtenir l’autorisation de Claudel et la faire jouer en pleine occupation allemande.
Ce « drame d’amour » en forme de traversée de vingt ans, construite en quatre journées, narre l’histoire de Rodrigue et Doña Prouhèze, épouse du gouverneur Don Pélage, à l’époque des conquistadors et des navigations sur des mers plus ou moins connues. « Nous nous sommes attaqués à cette épopée avec humilité et gourmandise, dit Éric Ruf, approchant le secret du poète caché au sein de ces quatre Journées, ou comment Claudel inscrit-il ses amours illicites dans une liturgie aussi savante que personnelle. » La langue de l’auteur avec laquelle le metteur en scène chemine depuis toujours – sa musicalité et son faste – lui semble avant tout extrêmement concrète. Elle se déploie dans une scénographie s’appuyant sur le rapport historique entre la machinerie de théâtre et la marine à voile, faisant la part belle à ces mots du préambule au Soulier : « Il faut que tout ait l’air provisoire, en marche, bâclé, incohérent, improvisé dans l’enthousiasme ! Avec des réussites, si possible, de temps en temps, car même dans le désordre il faut éviter la monotonie. L’ordre est le plaisir de la raison : mais le désordre est le délice de l’imagination. ». Au cœur de cette adaptation d’environ 7 heures et dans le souvenir de Peer Gynt qu’Éric Ruf avait monté en 2012, la joie sera le guide pour cette immense pièce de troupe.

Au crépuscule d’un empire féodal qui rebat ses cartes politiques et sociales au tournant du XXe siècle, la Cerisaie est un havre de beauté ; l’auteur russe cristallise en elle les tiraillements de la fin d’une époque. « Il faut que tout change pour que rien ne change » énonce Tancredi dans Le Guépard de Tomasi di Lampedusa, filmé par Visconti. Clément Hervieu-Léger y reconnaît la sensibilité de la communauté inventée par Tchekhov.
Acculés à la vente, Lioubov – qui vient de rentrer de Paris – et les siens n’ont pas compris l’urgence de la situation. Les habitudes, comme les souvenirs d’enfance, d’une classe aristocratique que tout semblait jusque-là épargner les ont rendus incapables de clairvoyance, et ce malgré les mises en garde du marchand Lopakhine, fils d’un ancien moujik qui rachètera finalement la propriété aux enchères.

Après avoir monté Molière et Goldoni, Jean-Luc Lagarce et Frank Wedekind, Clément Hervieu-Léger en vient à cette pièce, écho des mouvements de notre société, miroir des complexités de nos vies : « Je crois en la vertu du répertoire, dès lors que nous le considérons comme un bien commun qui nous permet d’élargir toujours notre vision de la société et notre inscription dans l’Histoire. » Cette Cerisaie, le metteur en scène la porte intimement en lui depuis longtemps. C’est dans un esprit de troupe qu’il souhaite investir avec ses camarades comédiens ce théâtre qui sublime le naturel et le sensible. Qu’il s’agisse de l’amour de Lopakhine pour la cerisaie et sa propriétaire, des idéaux politiques de l’éternel étudiant, du sérieux laborieux de la jeune Varia ou de la fidélité du vieux serviteur Firs, tous disent à la fois la nostalgie et l’avenir, l’abandon et le renouveau.

Entrée au Répertoire en 1985,dans une mise en scène de Jean-Pierre Vincent pour la Cour d’honneur au Festival d’Avignon, cette tragédie de la nuit continue de fasciner tant par la densité de son action, éminemment sanguinaire, que par la place donnée au surnaturel. La metteuse en scène italienne, dont les créations sont très présentes ces dernières années sur les scènes de théâtre et d’opéra, s’intéresse au destin du général Macbeth à qui trois sorcières ont prédit qu’il accèderait au trône. Dès lors, obsédé par la prophétie, il commet le régicide avec l’aide de son épouse. Au meurtre de Duncan, roi droit et généreux, succède celui de son ami Banquo, témoin gênant. Le couple ploie sous la culpabilité et sombre dans la folie, comme si le roi usurpateur et Lady Macbeth – obnubilée par ses mains qu’elle voit tachées de sang – représentaient une même figure de la complexité humaine. Depuis l’annonce des trois sœurs fatales à la scène inaugurale (« L’immonde est beau, le beau immonde / Planons dans le brouillard et dans les miasmes du monde »), l’entièreté de la pièce est soumise à une confusion des valeurs qui fait s’étendre l’intime aux mondes moral et politique : entre le bien et le mal, mais aussi entre raison et folie, réel et apparence, soif de pouvoir et transgression, vie et mort, masculin et féminin … Silvia Costa imagine un espace métaphorique, comme une entrée dans le labyrinthe de la conscience du roi. Macbeth, pour qui « la vie n’est qu’un fantôme errant », se découvrira lui-même tandis qu’il fera l’apprentissage de ses pulsions les plus obscures.

130 ans ont passé et la pièce, certainement la plus jouée de l’œuvre de l’auteur, est sans cesse reprise, traduite, adaptée. C’est dans la tradition d’une réappropriation permanente des grands textes que se situe Elsa Granat, abordant les « classiques » en s’intéressant à leur capacité à toucher un public contemporain.
Nouvelle artiste associée du Théâtre Gérard Philipe, centre dramatique national de Saint-Denis, où elle présentera en septembre 2024 sa prochaine création, elle envisage sa Mouette en lien avec la dimension historique de la Salle Richelieu, puisant dans la propre mémoire théâtrale des acteurs et des actrices la richesse d’incarnation des personnages de Tchekhov. Sa pièce s’ouvre sur le passé d’Arkadina, comédienne solaire qui compte parmi les rares figures féminines créatrices dans le répertoire. On la découvrira à ses débuts, au travail, vouée à son art sous les yeux du jeune Tréplev, son fils dont elle rejette aujourd’hui les velléités d’impulser un théâtre nouveau. Arkadina est une mouette accomplie, double de Nina à l’orée de sa carrière, dont Tréplev est épris mais qui aime Trigorine, l’amant d’Arkadina… Les relations en jeu dans la petite communauté réunie à la campagne, assommée par l’ennui de la villégiature, seront ainsi dépliées selon des angles multiples, à la lumière de la question centrale pour la metteuse en scène : «Pour s’accomplir soi, faut-il créer tant de chagrin?»

Après avoir présenté Le Firmament au TGP en novembre 2022, Chloé Dabert revient avec la première pièce de la jeune autrice québécoise Lucie Boisdamour, une pièce événement !

Quand Louis découvre que quelqu’un publie sur Internet en son nom, il commence à réaliser que ce n’est pas la seule partie de son identité qui lui a été volée. Mais qui lui a fait ça ? Et pourquoi ? Thriller captivant doté d’une intrigue construite avec maestria, ce texte sulfureux aborde des sujets contemporains brûlants d’actualité, qu’il s’agisse de la place des réseaux sociaux dans nos vies, de notre rapport à la démocratie ou du changement climatique.

L’écriture réaliste, précise et ciselée, au rythme haletant et à l’humour noir de Lucie Boisdamour mêle subtilement le théâtre, la fiction et des éléments réels. Comme dans la vraie vie, il est difficile de faire le tri.

Chloé Dabert et son équipe déploient les énigmes de la fable dans un espace qui joue des perspectives, des images et de leurs possibles interprétations. Comment savoir d’où vient l’information et si elle est transformée, orientée, fabriquée parfois ? Notre rapport aux autres et à la politique est bouleversé par de nouveaux médias. La vitesse des mutations de nos sociétés depuis une décennie est vertigineuse. La pièce montre d’une façon inédite combien notre objectivité en est malmenée et à quel point nous nous en retrouvons aujourd’hui désorientés et vulnérables. Pour l’écrire, l’autrice a mené une véritable enquête, pour comprendre une vérité qu’elle n’est finalement pas certaine d’avoir trouvée. Mais ses investigations l’ont menée loin, peut- être trop, et les découvertes qu’elle prend le risque de partager avec nous à travers ce texte singulier semblent essentielles pour pouvoir continuer à cultiver notre libre arbitre.

Alger, début des années 50. Babeth et Simone, jeunes soeurs complices, issues d’une famille de marchands de tissus depuis cinq générations, coulent des jours tranquilles. Au moment où elles endossent les responsabilités de l’âge adulte, le monde se fissure autour d’elles. Juives de confession, françaises de nationalité mais algériennes depuis toujours, elles font partie d’une communauté que la guerre d’indépendance déchire. À l’heure de faire des choix, leurs chemins divergent.

Pour écrire Min el Djazaïr – qui signifie « Depuis l’Algérie » – Nicole Ayach, responsable de la compagnie Hékau, s’est associée à Sarah Melloul, chercheuse spécialiste de l’Afrique du Nord. Elles se sont inspirées d’archives historiques et des souvenirs de leurs aïeux pour raconter, sous la forme d’une fiction, un épisode souvent oublié de l’histoire collective : le départ forcé des Juifs d’Algérie qui habitaient ces terres depuis l’Antiquité. Les ombres colorées créées sous nos yeux par les deux marionnettistes se marient à la projection de documents visuels et nous font naviguer entre passé et présent, entre mémoire et réalité.

À la force onirique de ces images fragiles, s’ajoute la puissance émotionnelle des compositions électro-acoustiques et de la musique judéo-arabe, jouées en direct par Jina di Najma. Un récit d’exil vibrant qui s’adresse à tous.

On le sait depuis longtemps… Les histoires d’amour à l’opéra ne sont pas toujours heureuses. Lorsque Goethe publia ses Souffrances du jeune Werther, l’histoire de Charlotte et de son prétendant connut un succès tel qu’elle provoqua ce que l’on appela la « fièvre werthérienne », causant les suicides de jeunes gens prêts à tout pour imiter les héros romanesques. Plus d’un siècle plus tard, en plein romantisme français, Massenet s’inspira de l’histoire de cet amour impossible et signa avec elle son œuvre majeure. Tout en utilisant les ressources du grand orchestre symphonique, il crée une atmosphère intime et pénétrante dont la meilleure illustration est sans nul doute le magnifique air « Pourquoi me réveiller, ô souffle du printemps… »… véritable « tube » du plus sensible des opéras de Massenet. Benjamin Bernheim et Marina Viotti seront les amants malheureux de la soirée entourés d’interprètes français bien connus du public de l’avenue Montaigne (Jean-Sébastien Bou, Marc Scoffoni, Rodolphe Briand) rejoints par Sandra Hamaoui et Yuri Kissin. En fosse, Les Siècles dans un répertoire que les musiciens pratiquent avec un bonheur « historique ».

Avec une intrigue simple et forte, ce spectacle total conjugue des musiques saisissantes et restitue pour le public d’aujourd’hui le tragique édifiant rêvé par Voltaire.

On connaît la force surhumaine de Samson et sa passion fatale pour Dalila. Mais Samson, c’est aussi une naissance annoncée par un ange, une élection divine qui fait de lui un libérateur et un juge. Et c’est encore l’impossible maîtrise de soi, l’aveuglement au propre comme au figuré, les écueils amoureux. Le héros est marqué par la fatalité.

Sur ce personnage issu du Livre des Juges, Voltaire ambitionnait d’offrir à Rameau un livret d’opéra plus philosophique qu’académique. Mais les censeurs royaux refusèrent de voir l’histoire sainte traînée sur la scène profane. Rameau renonça donc et recycla sa partition dans ses œuvres ultérieures.

S’il ne peut être reconstitué à la lettre, ce projet de 1734 inspire à Claus Guth et Raphaël Pichon une perspective plus large et plus collective. Sur un scénario parcourant la vie du héros s’ajuste un montage musical idéal, aussi proche que possible de l’original. Avec une intrigue simple et forte, ce spectacle total conjugue des musiques saisissantes et restitue pour le public d’aujourd’hui le tragique édifiant rêvé par Voltaire.

Porté à la scène pour la première fois en France en format semi stage, Gypsy est un chef-d’oeuvre de la comédie musicale de Broadway, signé des géants Jule Styne et Stephen Sondheim. Une fable sur le destin pathétique d’une mère dévorée par son rêve de célébrité, incarnée par la soprano Natalie Dessay.

Fin des années 1920, la Grande Dépression s’abat sur les États-Unis tandis que Rose et ses deux filles sillonnent le pays pour présenter leur numéro de vaudeville. La mère voudrait faire de ses jeunes enfants des stars du music-hall, mais les temps changent et les exigences du public aussi, au moment où le burlesque s’impose. Et les deux jeunes filles ont leurs propres ambitions, isolant bientôt leur mère comme rarement. Inspirée de la biographie de Gypsy Rose Lee, strip-teaseuse devenue célèbre, cette fable musicale est portée par la partition aux accents jazzy de Jule Styne et les paroles de Stephen Sondheim, spirituelles et douces-amères. Le metteur en scène Laurent Pelly, grande figure de l’opéra et du théâtre, qui s’est déjà penché sur la comédie musicale, confie à Natalie Dessay le rôle sublime et tragique de cette mère submergée par son irrésistible désir de célébrité, qui se heurte au réel à une époque charnière où naît l’entertainment moderne.